Die besten Comics aller Zeiten. Den Comic-Code brechen

USA-Comics.

Aus der MitteXIXJahrhundert führten amerikanische Zeitungen eine Neuerung ein: Auf ihren Seiten gab es viel mehr Bildmaterial als in Zeitungen der Alten Welt. In Amerika entsteht ein ganzes System visueller Symbole, von denen viele von Thomas Nast, dem Autor von „Uncle Sam“, geschaffen wurden. Die Entstehung des amerikanischen Comicstrips fiel in die Zeit des Kampfes zwischen zwei berühmten Zeitungsmagnaten: dem ungarischen Einwanderer Joseph Pulitzer und dem Kalifornier William Randolph Hearst. Der Kampf um Leser erforderte den Einsatz von Neuem Drucktechnik, Einführung von Farbe auf einer Zeitungsseite. Die gelbe Farbe erwies sich in vielerlei Hinsicht als die technologisch fortschrittlichste Farbe. Es wurde erstmals von Richard Outcault verwendet.

Richard Outcault, einer der Künstler von Pulitzers New York Wall-Zeitung, schuf auf seinen Seiten lustige Geschichten in Bildern über die Abenteuer eines Kindes im gelben Hemd. Im Jahr 1896 lockte Hearst Outcault zu seinem „New York Journal“ und lud ihn ein, das Erscheinungsbild der Serie zu ändern: Unter dem Namen „The Yellow Boy“ begann sie sich nun Bild für Bild zu einem Comic zu entwickeln, der eine halbe bis eine halbe Seite einnahm ganze Seite der Zeitung. Die Geschichte erzählte von den Abenteuern eines kleinen chinesischen Jungen und der Bewohner der armen Straße Hogan's Alley. Nach Angaben des Herausgebers der Zeitung sollten satirische Geschichten die Aufmerksamkeit von Analphabeten auf sich ziehen und die Auflage der Zeitung erheblich steigern. Unterwegs führte dieser Comic zur Entstehung des Begriffs „Yellow Press“.

Sowohl Hearst als auch Pulitzer konkurrierten und warben sich gegenseitig Künstler ab, die immer mehr neue Comicstrips entwickelten. Es ist jedoch wichtig anzumerken, dass die endgültige formale Form des amerikanischen Comics dem Künstler Rudolf Derks in seinen weniger als zwanzig Jahren gegeben wurde. Er führte Zeilen in „Blasen“ in die Comic-Reihe „Katzenjemers Kinder“ (1897) ein. Laut dem Amerikaner M. Horn machte Durks die „Blase“ zum Markenzeichen des amerikanischen Comics.

Die Helden der Serie von R. Derks sind zwei junge, fröhliche Hooligans. Der Schauplatz ist ein imaginäres, sehr konventionelles Afrika. Mobber wollen nicht erwachsen werden oder echte Amerikaner werden. Sie sprechen, wie die meisten Einwanderer, einen wilden deutsch-amerikanischen Slang.

Hooligans und Slang sind die Markenzeichen des Comics. Comics stehen von Anfang an in spontanem Widerspruch zu den etablierten sozialen und sprachlichen Werten der bürgerlichen Gesellschaft.

Die Durks-Reihe wird bis heute fortgesetzt. Natürlich führen auch andere Künstler es fort, und das ist ein weiteres wesentliches Merkmal des Comics. Es kann von einem Autor an einen anderen vererbt werden. Ein Comic ist stärker als sein Autor. Die Gleichgültigkeit gegenüber seiner Persönlichkeit schafft eine besondere Art von Anonymität, die Comics von allen anderen Kunstformen der Neuzeit unterscheidet und sie der „Volkskunst“ näher bringt.

Parallel zu „Katzenjemer's Children“ erschien im selben Jahr 1897 die erste Serie von „Tier“-Comics „Tiger Cub“, verfasst von James Swinterson.

Von 1905 bis 1910 veröffentlichte der Künstler Winsor McCay auf den Seiten der Heimatbeilage des New York Harald die Serie „Little Nemo in Dreamland“, die den magischen Träumen des Jungen gewidmet war, und machte Comics zu einer ernsten und hohen Kunst. Er malte feine dekorative Grafiken im Jugendstil: Er war ein Meister der fantastischen Landschaften und Luftschlösser, achtete auf kleine Details und kostbare „Buntglas“-Farbtöne. Aber McKays größtes Verdienst besteht darin, dass er ein Merkmal des Comics wie die Zusammensetzung seines Blattes entdeckt hat. Er begann die Multidimensionalität zu nutzen, die der Leser erkennen kann, wenn er die Seite nicht umblättert, sondern mit dem Blick frei darüber gleitet.

Die Entstehung des amerikanischen Comics, der sich durch einfache Zeichnung auszeichnet (mit Ausnahme der virtuosen Technik von Winsor McCay), dauert bis in die 20er Jahre. Einige der Helden der ersten Comics sind Tiere, einige sind Menschen, aber alle eint das soziale Bewusstsein der Einwanderung und der Glaube an den „amerikanischen Traum“. Manche Einwanderer erleben Enttäuschung über die Unfähigkeit, sich durchzusetzen (aufgrund der Mittelmäßigkeit), was in der Regel zur Folge hat soziale Sphäre und wird als Enttäuschung über eine Kollision mit der Realität erlebt. Die Motive Einsamkeit, Entfremdung und Waisenschaft sind wichtig. Die Moral der Helden wird von Elementen der dörflichen Mentalität dominiert.

Zweite Generation Amerikanische Comics(20-50er) bringt Helden hervor – Ideenträger. So wird die Idee der Freundlichkeit durch den Hund Snoopy verkörpert. Die Kulturalisierung des Comics findet statt. Es ist an die Bedürfnisse der Gesellschaft angepasst. Der politisch konservative Walt Disney lehrt sanft die Kunst des fröhlichen Überlebens. Sein Comic sprach auf didaktische und unterhaltsame Weise die Sprache humanoider Tiere und gab jedem von ihnen einen stabilen mentalen Code. Er betonte Aggression als eine Unausweichlichkeit des Lebens und stellte ihr Vorstellungskraft und Einfallsreichtum gegenüber, die Schwäche in Stärke verwandeln.

In den 20er Jahren entstand die Richtung des Alltagscomics (mit Satireelementen), der alltägliche Ereignisse und Familienstereotypen widerspiegelt. Die beliebteste Heldin dieser Art von Comic ist Blondie – das „typische amerikanische Mädchen“. Nur Little Orphan Annie kann es mit Blondie aufnehmen, die in jeder Situation für traditionelle amerikanische Werte einsteht.

In diesen Jahren erlangten amerikanische Comics eine Genrevielfalt. Unter dem Einfluss des Kinos entstanden Abenteuercomics mit recht realistischen Zeichnungen (1929 erschien der erste Comic über Tarzan). „Säkulare“ Comics erfreuen sich immer größerer Beliebtheit und spielen mit den Attributen des luxuriösen Lebens der High Society, ebenso wie Melodrama-Comics (die „Mary Worth“-Reihe). Comics wurden in separaten Büchern monatlicher Ausgaben („Comics-Magazin“, dann „Comics-Buch“) veröffentlicht, für die sie geschrieben wurdenGeschichten in voller Länge.

Aber die Hauptfiguren der zweiten Comic-Generation wurden in Serien über Helden mit „übermenschlichen“ Eigenschaften entwickelt: Flash Gordon, Superman und Batman. Fiktive Charaktere und sogar Prototypen einer künstlich geschaffenen „humanoiden Rasse“ sind zu einem integralen und notwendigen Bestandteil der spirituellen Welt der Amerikaner geworden. Konformistische Comics verwandeln sich in eine moderne Version eines Märchens.

Comics, die zu einem wichtigen Bestandteil der US-Populärkultur geworden waren, waren bis zum Aufkommen des Fernsehens gleichzeitig ein mächtiges Instrument der Hegemonie. Man kann sagen, dass die gesamte Geschichte der modernen amerikanischen Ideologie untrennbar mit der Geschichte der Comics verbunden ist.

Wie notwendig „spirituelles Brot“-Comics für Amerikaner geworden sind, zeigt dieser Vorfall. Kurz vor dem Zweiten Weltkrieg kam es aufgrund eines Streiks der Druckereiarbeiter zu Unterbrechungen bei der Versorgung der Kioske mit Comics. Die Empörung der Bewohner war so groß, dass der Bürgermeister von New York in diesen wenigen Tagen persönlich Comics im Radio las, um seine geliebte Stadt zu beruhigen. Einwohner einer Stadt in Illinois hielten ein Referendum ab und benannten ihre Stadt in Metropolis um, die fiktive Stadt, in der Superman operierte.

Es ist klar, dass neben den konformistischen Comics eine dissidente Alternative entstehen musste. Es wurde insbesondere in der „Pogo“-Serie von W. Kelly entdeckt. Er lässt verschiedene politische Kräfte unter der Maske von Tieren agieren. Auf dem Höhepunkt des McCarthyismus verspottete der Autor von „Pogo“ den Spionagewahn in einem speziellen Comic mit dem Titel „We Have Met the Enemy, and He Is Us“ beißend.

Amerikanische Comics sind zu destruktiv und asozial. Im Jahr 1946 waren etwa ein Zehntel aller Comics Kriminalcomics. Allerdings machten Comics dieser Art bereits 1949 die Hälfte der gesamten Produktion aus, 1954 sogar die überwältigende Mehrheit. Krimi-Comics betonen Gewalt als Element der Unterhaltung. Die Wörter „Verbrechen“ und „Mord“ sind fett geschrieben, um die Aufmerksamkeit des Käufers zu erregen. Mithilfe von Polizeichroniken betonen solche Comics ihren dokumentarischen Charakter.

In den Vereinigten Staaten gibt es eine starke Anti-Comic-Opposition. Historisch gesehen ragen in der Anti-Comic-Bewegung vor allem die Bücher von J. Legman „Love and Death“ (1948) und F. Wertheims „The Mark of Cain“ (1964) heraus. Der amerikanische Senat richtete einen speziellen Unterausschuss ein, woraufhin die American Comics Magazine Association im Oktober 1954 in einem Land, in dem es keine Zensur gibt, einen „selbstlimitierenden“ Kodex, den sogenannten „Comics Code“, verabschiedete. Der Kodex tat dies nicht Bundesgesetz, aber beispielsweise haben die Behörden des Staates New York unter Berufung auf die Bestimmungen des Kodex gesetzliche Beschränkungen für den Verkauf anstößiger Comics eingeführt. Befürworter des Kodex glaubten, dass er Comics ein „respektableres“ Aussehen verlieh und ihnen den Status eines künstlerischen Produkts verlieh.

Aufgrund der Beschränkungen sind „pädagogische“ Comics in den Vereinigten Staaten weit verbreitet.

Nicht alle amerikanischen Künstler haben sich den Bestimmungen des „selbstlimitierenden“ Kodex unterworfen. Verleger wie Dell widersetzten sich ihm unter Berufung auf den Ersten Verfassungszusatz und begannen in den 60er Jahren mit der Veröffentlichung von Underground-Comics. Hier beginnt die dritte Comic-Generation. Die Underground-Comics brachen mit den Traditionen des amerikanischen Puritanismus und sprachen offen über Tabuthemen: Ökologie, Polizei, Rassismus und etwas später über den Vietnamkrieg.

Das Zentrum der Underground-Comics war der kalifornische Verlag Rip-off Press. Die coolsten Autoren, R. Kremb, S. Wilson, J. Shelton und M. Rodriguez, die unter dem Pseudonym Spanien auftraten, gründeten die Gruppe „Zep“. Junge Leute waren verrückt nach R. Krembs Comicserie „Mr. Natural“ („The Simpleton“). Darin sprach ein verrückter Guru über die Probleme der modernen Zivilisation. Comics von S. Wilson, der moralische Tabus am provokativsten verspottete, wurden wiederholt von den Behörden beschlagnahmt.

Große Studien mit einer Reihe unabhängiger Methoden haben gezeigt, dass Mitte der 1960er Jahre in den Vereinigten Staaten täglich zwischen 80 und 100 Millionen Menschen Zeitungscomics lasen. 58 % der Männer und 57 % der Frauen lesen in der Zeitung fast ausschließlich Comics. Selbst während des Zweiten Weltkriegs las der durchschnittliche Zeitungsleser zuerst den Comic und dann den Kriegsbericht. Das größte Interesse an Comics zeigen Menschen im Alter von 30 bis 39 Jahren. Und alle Kinder im schulpflichtigen Alter (99 %) lesen regelmäßig Comics. Die Diskussion über gelesene Comics ist das Hauptgesprächsthema unter Schulkindern, was dieses Kulturgenre zum wichtigsten Mechanismus für die Sozialisation von Kindern macht.

Als der Autor der berühmten „Lil Abner“-Reihe, Al Capp, eine neue Figur vorstellte, Lena die Hyäne, „die hässlichste Frau der Welt“, bat er die Leser, Vorschläge zur Beschreibung ihrer Gesichtszüge einzusenden. Mehr als eine Million Briefe mit Zeichnungen kamen von Lesern. In den späten 1970er Jahren wurden Li'l Abner-Comics in mehr als tausend Zeitungen in den Vereinigten Staaten veröffentlicht und hatten täglich 80 Millionen Leser. John Steinbeck nominierte Al Capp für den Nobelpreis für Literatur.

Solch eine ungewöhnlich wirkungsvolle „Einfangnahme“ eines MassenpublikumsComics konnten gerade durch die Kombination von Text mit einem visuellen Bild liefern.

Comics spielten eine große Rolle bei der Bildung und Erhaltung des Massenbewusstseins der amerikanischen Nation. Sie schufen ein Gefühl der Nachhaltigkeit in der Gemeinschaft. Comics „führten“ die durchschnittliche amerikanische Familie von Generation zu Generation und legten ein stabiles „Koordinatensystem“ und kulturelle Normen fest. Eines der 1977 erschienenen Bücher zur Geschichte des Comics liefert Daten zu der berühmten Serie, die zu diesem Zeitpunkt bereits 80 Jahre lang ununterbrochen veröffentlicht wurde! Ein französischer Comic-Forscher schreibt über ihre Charaktere: „Ein Amerikaner verbringt sein ganzes Leben in der Gesellschaft derselben Helden und kann seine Lebenspläne auf der Grundlage ihrer Leben aufbauen. Diese Helden sind mit seinen Erinnerungen aus der frühen Kindheit verknüpft, sie sind seine ältesten.“ „Comicfiguren, die mit ihnen Kriege, Krisen und Jobwechsel durchmachen, erweisen sich als die stabilsten Elemente seiner Existenz.“

© V.V. Charitoschkin, 2002

Mehr als eine Generation von Teenagern ist mit der Lektüre von Graphic Novels über Superman, Batman, Hulk und Iron Man aufgewachsen. Comics waren und sind ein Kultthema, obwohl es keine leichte Aufgabe ist zu erklären, warum Superhelden die Gemüter von Jung und Alt so begeistern.

Die Geschichte der Comics hat, so überraschend es auch klingen mag, sehr alte Wurzeln, die bis in die Zeit zurückreichen, als Menschen in Höhlen lebten und Mammuts jagten. Damals erschienen die ersten Beispiele von Felsmalereien, in denen neben Szenen aus wahres Leben, erschienen die ersten Superhelden, verkörpert in den Bildern antiker Götter.

Felsmalereien der Hopi-Indianer in Arizona, USA

Die Chronologie der Entwicklung eines Genres wie des Comics ist sehr lang und umfangreich und enthält zahlreiche Daten. Daher beschränken wir uns bei der Auflistung der wichtigsten Meilensteine ​​​​in der Entwicklung des Comics auf eine Reise durch das 19. und 20. Jahrhundert In dieser Zeit vollzog sich ein qualitativer Sprung in der Entwicklung des Genres und der uns bekannten Helden.

Die Geschichte des Comics reicht bis in die Urzeit zurück.

Wenn wir über Comics sprechen, sollten wir mit der Persönlichkeit von Rodolphe Tepfer beginnen, einem französischsprachigen Schweizer Künstler, der zu einer Schlüsselfigur in der Geschichte der Entwicklung moderner Comics wurde. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts begann er, Geschichten konsequent zu illustrieren und den Bildern Texte zu unterlegen. Seine Comics wurden in ganz Europa und den USA nachgedruckt. Aufgrund fehlender Urheberrechtsgesetze begann man, überall auf der Welt Raubkopien von „gezeichneten Geschichten“ zu übersetzen und zu veröffentlichen.

Im Jahr 1843 erhielten satirische Zeichnungen, die regelmäßig in Zeitungen und Zeitschriften erschienen, ihren Namen – Cartoons.

Schlüsselfigur in der Geschichte der Comic-Entwicklung war Rodolphe Tepfer

Die Erfindung des Heliogravüreverfahrens im Jahr 1873 machte Zeitungen relativ kostengünstig und ermöglichte die Herstellung mit mehr Illustrationen. Dieser Technologiewandel war der Anstoß für die Entwicklung von Comics und deren Massenproduktion. Die Kunst des Comics hat in Amerika eine besondere Entwicklung erfahren. Im Jahr 1893 wurde in der Zeitung „The New York World“ veröffentlichte Joseph Pulitzer seinen ersten ganzseitigen Farbcomic, und im selben Jahr begannen andere Zeitungen, Farbcomics zu drucken.

Als Werkzeug der Populärkultur, das den Einsatz sowohl künstlerischer als auch literarischer Fähigkeiten erfordert, hat sich der Comic erfolgreich durchgesetzt soziale Probleme seiner Zeit. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erschienen regelmäßig Streifen in Zeitungen in großen US-Städten.

Die 1920er und 1930er Jahre waren eine Zeit der aktiven Entwicklung der Comic-Industrie auf der ganzen Welt: 1929 wurden Comics veröffentlicht, deren Hauptfigur der Seemann Popeye war. Eine Besonderheit dieses Charakters war der Kraftzuwachs nach dem Verzehr von Spinat. Am 1. Juni 1938 wurden Comics veröffentlicht, deren Hauptfigur Superman war, und 1939 erschienen Batman und die erste menschliche Fackel auf den Comicseiten.

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts waren Comics ein beliebtes Sammlerstück.

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurden Comics zu einem sehr beliebten Sammlerstück und amerikanische Comics der 1970er Jahre wurden zur Grundlage für Comic-Sammlungen.

Comic-Cover von Plastic Man, 1943

In dieser Zeit erscheinen Comic-Helden:
1961 – die erste Ausgabe von „Fantastic Four“ erscheint – Comics über ein Team von Superhelden mit verschiedenen übernatürlichen Fähigkeiten;
1962 – die Zeit der Geburt von Spider-Man und dem Hulk;
1963 – Comics über Iron Man, Doctor Strange und die X-Men werden veröffentlicht;
1966 – das Erscheinen des Black Panther;
1970 – eine Comicserie über Conan den Barbaren wird veröffentlicht;
1977 – das Erscheinen von Comics“ Star Wars»;
1984 – die „Geburt“ der Teenage Mutant Ninja Turtles.

Der Begründer des Comic-Genres in Russland ist Lubok

Obwohl Comics als typische Vertreter der „westlichen“ Kultur gelten, haben sie in unserem Land eine ziemlich lange Geschichte. Zu den ersten inländischen Comics zählen mit einer leichten Ausdehnung populäre gedruckte Bücher, die zu Beginn des 17. Jahrhunderts weit verbreitet waren.

Ein solches Buch war eine kleine Schriftrolle, auf der Bilder abgebildet waren, die das aktuellste Ereignis im gesellschaftspolitischen Leben des Augenblicks beschreiben. Deshalb klang der Name solcher Bücher wie „lustige Blätter“.

„Starker und mutiger Held Ilya Muromets.“ Lubok 1868

Die nächste Stufe in der Entwicklung der heimischen Comic-Kunst ist mit dem Namen Vladimir Dahl verbunden. Sein Werk „Die Abenteuer von Christian Khristianovich Violdamur und seinem Arshet“ erinnerte in vielerlei Hinsicht an moderne Comics, da die Handlung bzw. die Erzählung auf einer Bildergeschichte basierte. Diese einzigartige Form der Materialpräsentation wurde von Dahls Zeitgenossen nicht geschätzt, so dass „Geschichten in Bildern“ nicht weiterentwickelt wurden.

Im August 1914 entstand in Moskau der Verein „Today's Lubok“, zu dessen Mitgliedern Vertreter der heimischen Kulturelite wie Kasimir Malewitsch, Aristarkh Lentulov, David Burliuk und Wladimir Majakowski gehörten. Die Gesellschaft veröffentlichte Propagandaflugblätter zu militärischen Themen, die sowohl Bild- als auch Textinformationen enthielten.

Das Comicbuch wurde in der UdSSR nicht weit verbreitet

In Sowjetrussland waren Comics nicht weit verbreitet: Inländische ideologische Dienste taten ihr Bestes, um das Aufkommen jeglicher Elemente der „westlichen“ Kultur, einschließlich Comics, in unserem Land zu verhindern. Dies hinderte ihn jedoch nicht daran, seine eigene Alternative zu Comics zu schaffen, die sich in der Veröffentlichung der auf den Seiten von veröffentlichten Sammlungen „Geschichte in Bildern“, der illustrierten Geschichte „Die Abenteuer von Makar dem Wilden“ von Boris Antonovsky, manifestierte das Leningrader Magazin „Hedgehog“ und die Comics „Smart Masha“ von Bronislav Malakhovsky.

„Eine Geschichte über Bagels und eine Frau, die die Republik nicht anerkennt“ – ein Poster aus der Serie „Windows of GROWTH“. August 1920. Künstler: Mikhail Cheremnykh. Textautor: Vladimir Mayakovsky

Die Verbreitung der Comicsographie führte dazu, dass die Behörden sie in den 1930er Jahren offiziell verboten und Comics als „eine bürgerlich-amerikanische Art, junge Leute zu täuschen“ bezeichneten. Die einzige Quelle für neue Geschichten und Illustrationen blieb lange Zeit die Kinderzeitschrift„Murzilka“. Erst 1956 begann das Komsomol-Zentralkomitee mit der Veröffentlichung neue Zeitschrift„Funny Pictures“, das aktiv begann, das Comic-Genre als Hauptinhalt zu nutzen.

Anschließend erschienen in der UdSSR und in Russland Comics über Oktyabrin, eine Comicserie „Hare Pts und seine imaginären Freunde: Shch, F, eine Wärmflasche und ein Schweinekotelett mit Erbsen“ und eine Comicsammlung „Cat“. Welt und wurde auf der ganzen Welt berühmt.

Das Dorf fördert weiterhin eine effektive Selbstbildung. Diese Woche finden wir gemeinsam mit Experten heraus, wie sich Comics voneinander unterscheiden und welche Comics man am besten zuerst liest, wenn man sich noch nicht damit beschäftigt hat.

Wassili Schewtschenko

Mitinhaber des Comicladens „Chuk and Gik“

Da Comics in Russland ein relativ junges Phänomen sind, gibt es noch immer keine festgelegten Regeln. Das ist großartig: Ein Mensch geht so offen wie möglich mit dieser Welt um, kann sich für verschiedene Genres und Formate interessieren, von allem ein bisschen lesen und dann auswählen, was ihm gefällt. Comics sind im Prinzip für jeden etwas. Und es ist nicht ganz richtig, dass man aus ihnen zwangsläufig erwachsen muss: ebenso wenig wie aus einem anderen kulturellen Medium. Comics sind keine Zwischenstufe zwischen Bild und Buch, sondern ein eigenständiges Phänomen.

Es gibt berühmte Fehler, die Menschen machen, die nichts wissen. Man kann ein wenig mit ihnen kämpfen, aber ohne langweilig zu werden.

Erster wichtiger Gedanke, was man hören sollte, wenn man über Comics spricht: Es ist ein Format, kein Genre. Mit Hilfe von Comics kann man jede beliebige Geschichte erzählen. Superhelden sind das beliebteste Format, aber es gibt auch Biografien, Science-Fiction, Krimis und alles andere.

Ein weiterer berühmter terminologischer Fehler. Es gibt Comics aus verschiedenen Ländern: amerikanische, französische (BD oder bande dessinée – handgezeichnete Streifen) und asiatische (Manga). Und das sind alles Comics, jeder existiert in seiner eigenen Welt.

Drittens - Formate, in dem Comics veröffentlicht werden. Es gibt Monatszeitschriften mit 32 Seiten, was man sich normalerweise vorstellt, wenn man das Wort „Comic“ hört. Es gibt Sammlungen mit einem Umfang von 120 bis zu tausend Seiten, die eine beliebige Anzahl dieser dünnen Comics vereinen. Es gibt auch Graphic Novels, die oft nur als etwas schlauere Comics bezeichnet werden wollen. Der einzige Unterschied zwischen diesem Format besteht im Prinzip darin, dass es nie in einem dünnen Notizbuch veröffentlicht wird. Zu sagen „Ich lese keine Comics, ich lese nur Graphic Novels“ ist dasselbe wie zu sagen „Ich schaue keine Fernsehserien, ich schaue nur Miniserien.“

Und noch ein großer Fehler- Sie sollten nicht versuchen, Comics von Verlagen zu lesen. Diese Aufteilung ist bereits veraltet. Tatsächlich handelt es sich hierbei um einen kommerziellen Zusammenschluss verschiedener Autoren. Marvel hat erbärmliche Superhelden, und dann gibt es noch Indie-Comics. Ein guter Leser hat keine Angst vor verschiedenen Verlagen und Genres.

Vor den Comic-Läden selbst braucht man keine Angst zu haben. Ich kann nicht für alles verantwortlich sein, aber es scheint mir, dass sie nicht nur für diejenigen existieren, die bereits alles wissen. Die Welt der Comics ist endlos.

Leider gibt es derzeit keine Website, die alle Ankündigungen, Neuigkeiten und Analysen zu Comics sammelt. Das ist eine coole Nische, die von absolut niemandem besetzt wird. Wenn man sich die Comic-Branche als eine Gemeinschaft von Verlegern, Verkäufern, Lesern und Analysten vorstellt, dann liegen die Analysten und die Presse am weitesten zurück. Comics erfordern wie jede Kunstform eine Expertenmeinung.

Aus irgendeinem Grund behauptet niemand, dass man eine gute Oper kennen muss, um sie zu lieben. Hier ist es das Gleiche. Sie müssen mit guten Comics beginnen und dann diejenigen auswählen, die im Geiste näher sind. Wie die Praxis zeigt, wird das, was auf Russisch verfügbar ist, besser wahrgenommen.

17 lesenswerte Comics
wenn Sie nichts davon verstehen

"Maus"

Der einzige Comic, der einen Pulitzer-Preis gewonnen hat. Ein Beispiel dafür, wie man im Comic-Genre Werke über alles machen kann, in diesem Fall über den Holocaust, über die Erfahrung, Menschen zu erleben und mit ihnen zu kommunizieren, die diese Tragödie überlebt haben.

"Saga"

Um es in einem nicht so erfolgreichen Format zu beschreiben: „Per Anhalter durch die Galaxis“ trifft auf „Romeo und Julia“. Jetzt ist „Saga“ einer der coolsten modernen Comics, eine neue Science-Fiction, lustig, treibend und über die Liebe.

"Schottischer Pilger"

Eine Comicserie über das Leben des 23-jährigen Kanadiers Scott Pilgrim, der sieben Ex-Freundinnen seiner Freundin besiegen muss. Vielleicht der wichtigste Teenie-Comic der 2000er Jahre, der sehr klar funktioniert und viele Bezüge zur modernen Popkultur bietet.

„Kleiner Nemo“

Winsor McCay ist der erste Mensch, der mit Comics experimentiert. Er war nicht nur einer der Pioniere des Formats („Little Nemo“ entstand Anfang des 20. Jahrhunderts), sondern beschäftigte sich auch eingehend mit dem Phänomen Comic. Das Buch enthält Zeitungsseiten, auf denen McKay mit der Darstellung von Welten und Fantasien experimentierte.

„Persepolis“

Derzeit ein wichtiger unabhängiger Comic im autobiografischen Genre. Die Geschichte handelt von einem iranischen Mädchen, das während der Islamischen Revolution und des Krieges mit dem Irak aufwuchs. Sie spricht darüber, wie es ist, erwachsen zu werden, während sich die Gesellschaft immer mehr verschließt.

„Sandmann“

Von Neil Gaiman als Kultcomic über den Herrn der Träume anerkannt, seit Ende der 80er Jahre veröffentlicht. Zusammen mit Watchmen und The Dark Knight Returns trug es dazu bei, Comics als ernsthafte Literatur zu etablieren.

"Höllenjunge"

Eine Geschichte über einen Dämon – einen paranormalen Ermittler. In gewisser Weise eine Mischung aus Mythen und Märchen unter einer Superheldenhülle mit Geschichten aus der Bibel, Gedichten von Edgar Allan Poe und Gerüchten über das Nazi-Weltraumprogramm.

„Bewahrer“

Die Handlung von „Watchmen“ spielt in den 1980er Jahren in den USA in einer alternativen Realität. Alle Ereignisse unterscheiden sich von Ereignissen in unserer Welt nur in einer Hinsicht: Hier agieren kostümierte Helden. „Watchmen“ ist einer der Top-Bestseller der Comic-Welt und die einzige Graphic Novel auf der Liste der 100 größten Romane des Time Magazine.

„Junge Rächer“

Ein echter Teenie-Comic mit Witzen über Tumblr und Twitter, süßen schwulen Paaren und Zeichnungen, die die Handlung wie eine Reality-Show aussehen lassen. Die Übersetzung der ersten fünf der Reihe wurde kürzlich vom kleinen Comicverlag Jellyfish Jam veröffentlicht.

"Die Abenteuer von Tintin"

Einer der beliebtesten europäischen Comics des 20. Jahrhunderts vom belgischen Autodidakten Hergé. Eine Reihe netter Detektivgeschichten, in der die Hauptfigur der Zeitungsreporter Tim und Struppi ist.

„Barfuß-Gen“

Der Manga von Keiji Nakazawa erzählt die Geschichte des Lebens eines sechsjährigen Jungen, Gen, und seiner Familie vor und nach dem Atombombenabwurf auf Hiroshima. Es gilt als eines der bedeutendsten Antikriegswerke der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

"Batman. Arkham Asylum"

Eine ikonische Veröffentlichung, im Gegensatz zu anderen Comics über Batman und Superhelden im Allgemeinen. Die Geschichte folgt Batmans Reise durch das Krankenhaus, in dem seine schlimmsten Feinde wie Two-Face, Scarecrow, Mad Hatter und Joker festgehalten werden.

Das Interesse an Comics ist in unserem Land stark gestiegen, vor allem dank Hollywood-Hits und der beliebten TV-Serie „The Walking Dead“. Wenn diese Kultur in Amerika lange und fest verankert ist ( beste Comicsüber Superman oder Batman seit Jahrzehnten den US-Markt beherrschen), hatten unsere Eltern noch nie von Graphic Novels gehört.

Viele Leute fragen sich übrigens: Was ist der Unterschied zwischen Comics und Graphic Novels? Im Allgemeinen nichts, außer dass Graphic Novels normalerweise in Buchform und nicht in Form einer Zeitschrift veröffentlicht werden. Das Wesentliche bleibt dasselbe: zahlreiche „Cartoon“-Zeichnungen, begleitet von Text (von dem es nur wenig gibt). Heute stellen wir Ihnen die Top 10 der besten Comics aller Zeiten vor (veröffentlicht im Romanformat).

Batman, Zombies, Watchmen: die besten Comics im Graphic Novel-Format

Er hat sieben Namen: Gaimans Sandmann

Jetzt sind alle begeisterten TV-Fans (in unserem Fall sind das Leute, die Meisterserien lieben und schätzen) in Erwartung der Verfilmung von Neil Gaimans Roman „American Gods“ erstarrt. Neben Prosa arbeitet Neil auch an Comics, der beste davon ist „The Sandman“, der mehrere Auflagen erlebt hat (darunter ein vierbändiges Hardcover und eine Serie von zehn Taschenbüchern). Hinter Protagonist Serie (auch „Comics für Intellektuelle“ genannt) – das übernatürliche Wesen Sandman. Es ist unter verschiedenen Namen bekannt: Morpheus, Tod, Traum, Delirium, Verlangen, Schicksal, Verzweiflung. Symbolik, Mythologie, Horror und Geschichte sind in der Handlung des Comics eng miteinander verknüpft.

Der Joker als tragische Figur: ein tödlicher Witz

Alan Moores Graphic Novel „Batman: The Killing Joke“ ist ein seltener Fall, in dem der Joker nicht nur als kompletter Psychopath und rücksichtsloser Sadist, sondern auch als tragische Figur dargestellt wird. Er verlor seine Familie, er wurde getäuscht böse Menschen, der versehentlich einen guten Kerl in einen Verrückten verwandelte. Dies ist einer der besten Comics aus der Batman-Reihe, und der Dunkle Ritter tritt hier in den Hintergrund: Die Hauptfigur ist der Joker.

Arkham Asylum: Trauriges Haus auf traurigem Land

Die Original-Graphic Novel Batman: Arkham Asylum. „The Mournful House on the Mournful Land“ war einer der gotischsten und besten Comics der Serie. Es inspirierte jahrelang die beliebten Batman-Spiele und andere Comicautoren. Der Roman erzählte von der Entstehungsgeschichte der Nervenheilanstalt, ihrem Erbauer Amadeus Arkham und von allem Übernatürlichen, das in den dunklen Korridoren der Nervenheilanstalt verborgen ist. Die Veröffentlichung des Comics zum 25-jährigen Jubiläum erwies sich jedoch als einfach unübertroffen – dank des Autors Grant Morrison.

In der Welt der wandelnden Toten müssen Sie auf der Hut sein

Im Oktober 2003 erschien der erste Band der Graphic Novel „The Walking Dead“ von Robert Kirkman. Dies ist einer der besten Comics unserer Zeit, also wird weiter daran gearbeitet. 2010 erhielt ein Comic über Sheriff Rick Grimes, seine Familie und Freunde, die nach einer Zombie-Epidemie ums Überleben kämpfen, einen Eisner Award, und im selben Jahr feierte die gleichnamige Serie Premiere – „The Walking Dead“ ist bereits in der siebten Staffel Saison und lässt nicht nach. Übrigens hat Kirkman kürzlich erklärt, warum die Charaktere die Begriffe „Walker“, „Rotten“ und „Beißer“ verwenden. Es stellt sich heraus, dass die Charaktere in einem Universum leben, in dem es das Konzept von „Zombies“ (und Büchern und Filmen über sie) nicht gab.

300 gegen Tausende

Fast jeder hat von der Graphic Novel „300“ gehört – schließlich wurde dieses Werk von Frank Miller von Zack Snyder verfilmt. Die Hauptfiguren von Peplum – König Leonidas und sein Gegenspieler Xerxes – wurden von Gerard Butler und Rodrigo Santoro gespielt. „300 Spartans“ ist eine nahezu perfekte Adaption des Comics und erzählt von der Konfrontation zwischen den Kriegern Spartas und den Persern, die sich in der blutigen Schlacht an den Thermopylen trafen.

Jack the Ripper kam aus der Hölle nach London

Alan Moore ist ein legendärer Autor der besten Comics, daher wird sein Name mehr als einmal in unserem Ranking auftauchen. „From Hell“, eine sehr düstere Schwarz-Weiß-Graphic Novel, lässt die unruhigen Tage wieder auferstehen Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, als Jack the Ripper in den ärmsten Vierteln des Londoner East End am Werk war. Dies ist eine der schrecklichsten Seiten des viktorianischen Zeitalters, und obwohl die Opfer des Wahnsinnigen keine adligen Damen, sondern Prostituierte aus Whitechapel waren, regen die Verbrechen des Rippers immer noch die Fantasie an. Moores Comic schildert diese Ereignisse, beschreibt die genaue Art der Gräueltaten und folgt der Geschichte der Polizistin Eberline. Im Jahr 2001 inszenierte Hollywood einen auf dem Comic basierenden Film; Johnny Depp spielte die Hauptrolle im Film „From Hell“.

V wie Vendetta: Terrorist gegen Totalitarismus

Und wieder – Alan Moore und sein dystopisches Comicbuch „V wie Vendetta“. Die Hauptfigur des Romans ist derselbe V, der versucht, das profaschistische totalitäre Regime zu bekämpfen, das in naher Zukunft in Großbritannien regiert. Die Regierung verfolgt Andersgläubige, Schwule und illegale Einwanderer. V stellt sich aktiv gegen ihn – den Kämpfer gegen das Regime, das die Sprengung des Parlaments plant. Er trägt sogar die Maske seines entfernten Vorgängers Guy Fawkes, der ebenfalls versucht hat, eine Explosion auszulösen. Der Comic wurde auf die große Leinwand gebracht, mit dem Film mit Hugo Weaving und Natalie Portman in den Hauptrollen.

In Sin City ist etwas Unheimliches los.

Der beliebte Autor Frank Miller wurde Co-Regisseur von Robert Rodriguez, als der mexikanisch-amerikanische Regisseur die Aufgabe übernahm, die Comics aus der Sin City-Reihe zu adaptieren. Kein Wunder, dass die Kriminalgeschichten dieser Reihe als die besten Comics ihrer Nische gelten. Diejenigen, die den Film gesehen haben, waren wahrscheinlich von diesem blutigen Noir und den denkwürdigen Charakteren beeindruckt, darunter der gelbe Bastard Roarke Jr. (im Film gespielt von Nick Stahl), der Verrückte Kevin (Elijah Wood) und der verzweifelte Marv (Mickey Rourke).

Der Dunkle Ritter kehrt müde und desillusioniert zurück

Frank Millers dritter und bester Comic aus dieser Reihe, The Dark Knight Returns, hatte großen Einfluss auf andere Comics, Videospiele und Filme. Es war diese Graphic Novel, die zur Grundlage für Christopher Nolans Dark Knight-Trilogie mit Christian Bale wurde und Snyder zum Film „Batman v Superman: Dawn of Justice“ inspirierte. Millers Arbeit zeigt, dass Batman sehr reif ist und viel erlebt hat. Er ist älter, dunkler und ein wenig müde vom Kampf gegen das Böse.

Wächter werden diese Welt nicht sterben lassen

Den Abschluss an der Spitze der besten Comics bildet der Roman von Alan Moore (der ebenfalls von Zack Snyder verfilmt wurde) – „Watchmen“. Die Qualität dieses Comics wird durch diese Tatsache belegt: „Watchmen“ wurde in die Liste der „100 besten Romane aller Zeiten“ aufgenommen (der einzige Comic, der eine solche Auszeichnung erhielt). Das Universum dieses Romans besteht aus mutigen Superhelden (Night Owl, Doctor Manhattan, Silk Spectre und anderen), und die Handlung spielt in einer alternativen Noir-Realität. Eine der Figuren, der Comedian, wird übrigens im Blockbuster von Jeffrey Dean Morgan gespielt (er ist auch der neue charismatische Antagonist in der Serie „The Walking Dead“).

Dem Aufkommen moderner Comics ging voraus Politische Cartoons aus dem 18. Jahrhundert von William Hogarth. Es handelte sich um eine Reihe von Zeichnungen, die durch eine gemeinsame Idee verbunden waren.

Nächste wichtige Etappe Die Entwicklung der Comic-Kunst ist zu einer Aktivität geworden Rodolphe Tepffer und Wilhelm Busch. Der erste wurde berühmt“ Die Geschichte von Monsieur Villeux-Bois„, die beliebte Poesiereihe“ Max und Moritz“, das die Geschichte zweier Wildfangjungen erzählt.

« Teddybär und Tiger" - so hieß das erste amerikanische Comicbuch, das veröffentlicht wurde 1892. Die Geschichte " Gelbes Kind„über einen kleinen Jungen aus China die auf der Suche nach Abenteuern ankamen Amerika..

Berühmter Comic-Schöpfer ist Rudolf Derks. Er war es, der sich „ Blasen", die Rahmen, in denen die Sprache der Charaktere platziert ist.

Es entstehen ganze Verlage, die sich auf die Veröffentlichung von Comics spezialisiert haben: Marvel, DC, Dark Horse und Image Comics. Eines der größten ist das Unternehmen Marvel. Sie schuf Meisterwerke wie „Fantastic Four“, „Der unglaubliche Hulk“, „X-Men“, „Iron Man“, „Spider-Man“.

Und jetzt ein paar verrückte Zahlen:

Die erste Ausgabe des Comics über Übermensch wurde dieses Jahr für gekauft 1 Million Dollar, in der Ferne 1938 es konnte gekauft werden für 10 Cent.

Hinter 100.000 Euro kaufte das Originaltitelbild des Comics „“.

Erste Ausgabe von Comics über Spider Man Kosten ca 40.000 Dollar, V 1963 seine Kosten waren 12 Cent.